Il terzo film scritto e diretto da Sofia Coppola è un biopic filtrato però da una visione autoriale differente e assolutamente non convenzionale. La regista comincia a tratteggiare con convinzione quelle che sono le sue peculiarità estetiche e soprattutto tematiche, rinunciando alla mera ricostruzione storica su di una figura nota ai più. Infatti, la Marie Antoinette interpretata da un’eccellente Kirsten Dunst è la rappresentazione di un’adolescente obbligata ad abbandonare la sua vita e, di conseguenza, la sua vecchia identità, allo scopo di abbracciare una nuova realtà molto distante dalla propria. Ciò provoca nella protagonista una certa insoddisfazione, nonché delle difficoltà in serie da affrontare una dopo l’altra, ma a cui fondamentalmente la giovane delfina di Francia non riesce a dare una soluzione definitiva. Così come nei precedenti Il giardino delle vergini suicide e Lost in Translation – L’amore tradotto, la privatizzazione tocca da vicino Marie Antoinette, un’altra ragazza-donna alle prese con la perdita di qualcosa: nel primo film si trattava della libertà; nel secondo sono gli stimoli a mancare, in favore della solitudine; qui è l’identità ad essersi persa. Sofia Coppola fornisce la sua personalissima visione di una giovane ragazza reclusa in una gabbia d’oro, dove le apparenze hanno la meglio sull’essenza delle persone, troppo abiette e alle prese con il loro ego. Se da un lato chi frequenta la reggia di Versailles è ormai incanalato verso delle azioni ordinarie e monotone − perché la forma scavalca la sostanza − dall’altro c’è chi vorrebbe evadere; ecco che il sogno torna a farsi importante, così come lo era per le ragazze in Il giardino delle vergini suicide.

Marie Antoinette si sente giudicata costantemente, senza patria, senza le attenzioni di un marito rigidissimo interpretato da un ottimo Jason Schwartzman − per certi versi di “andersoniana” memoria −, arriva persino ad essere mal giudicata da sua madre. Tutto ciò fa sì che la delfina, diventata poi regina, si senta oppressa da un mondo sfarzoso che non le appartiene davvero. Versailles, location reale del film, viene qui declinata in chiave pop oltre che in quella più tradizionale propria ad un kolossal storico. La Coppola dà vita a tale operazione con un utilizzo positivamente spiazzante della colonna sonora, tra canzoni rock degli anni Ottanta e altre più vicine agli inizi degli anni Duemila, e di conseguenza trasforma la reggia in un non-luogo dove l’irreale sembra avere una maggiore rilevanza. I fatti storici diventano il contorno piuttosto superficiale di un racconto più intimo, che pur presentando alcune sequenze ridondanti e delle ripetizioni tematiche superflue, riesce nel suo compito di svelare l’interiorità di Marie Antoinette, quattordicenne che è dovuta crescere più in fretta del previsto per un bene più grande. Tuttavia, anche la passività di suo marito ha una certa rilevanza: il re di Francia si lascia mal consigliare pur di mostrare la potenza di un paese in crisi, e quest’ultima si fa preponderante nell’atto conclusivo. La ribellione del popolo riecheggia nell’atmosfera, viene lasciato lì nell’angolo con il sapiente ed esclusivo uso del sonoro, invece che proporre la più classica suggestione delle immagini violente. D’altronde, non è la politica il nucleo fondante di Marie Antoinette, bensì una sfrenata ricerca dell’euforia da parte di una giovane donna che sento il peso dell’esistenza.

La scena della vestizione mattutina come rito, oltre ad essere uno sprazzo di commedia sempre ben inserito dalla Coppola nei suoi film, è una perfetta sintesi del dialogo interno al lungometraggio tra inquadrature soggettive e altre oggettive, le quali si elevano a significato concettuale. Infatti, c’è una duplice visione concentrata su di uno stesso oggetto o azione, posta proprio sulle convenzioni come codici e sull’estraniamento da queste ultime. Ciò viene esplicitato dalla scena in campagna, dove viene citato Rousseau e la dicotomia Natura/Civiltà, in netta contrapposizione con i connotati circensi della corte, tra scimmie, cani, battute di caccia e rappresentazioni teatrali molto fredde. Inoltre, che la regina sia un’adolescente mai troppo cresciuta è evidenziato anche dal montaggio pop di una sequenza teen, ovvero quando Marie Antoinette in crisi comincia a concentrarsi sul cibo, le coppe di champagne, l’alta moda e le feste in maschera. Peccato per un esiguo numero di elementi onirici, nonostante l’atmosfera quasi rarefatta ne riesce a restituire il senso; tuttavia, sarebbe stato ancor più sublime nel tono complessivo osservare scene come il sogno ad occhi aperti del tanto desiderato cavaliere svedese, oppure come quella in cui la regina fornisce una risposta immaginaria al popolo affamato. Dunque, Marie Antoinette è un film senz’altro interessante e filologicamente anarchico, ma alla fine lascia la sensazione di non aver espresso al massimo tutte le sue potenzialità nel suo anacronismo, pur dialogando parecchio con il presente e con la figura femminile a contatto con la società.